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来源:未知发布时间:2021-09-11 13:51

  惊人的现代感和古老的传统在这个国家兼容并包,优雅的艺伎、身着长袍的牧师、流行音乐巨星和富有远见的工程师都融汇在这个国度中。而通过体验日本如万花筒般对比鲜明的各种乐趣,或许你也能领悟某些日本式的智慧,并将它们巧妙用于日常生活中。

  日本美学以一套古老的理念为基础,发展出设计之美的独创之道。日本传统美学基于神道和佛教信仰,强调简洁和生命的短暂性。以下原则体现在日本设计的方方面面,无论是插花的排列还是汽车的形状。

  “侘”意为朴实无华,而“寂”则表示一种永恒之美,一种迷人之趣。侘寂风格设计的魅力来自它的不完整、不完美和不永恒。比如,一只碗的形状并非对称的圆形,而是略微歪斜;其颜色并非明亮大胆,而是自然柔和,且质地可能粗糙不平。

  日本普通民众可能很难对这个概念做出准确的解释,但他们会本能地通过观察上述特征来判断某件东西是否为“和风”。

  “物哀”这个概念是侘寂的基础,它可以被翻译成“哀情”,并包含了无常观。这是日本人热爱短暂事物的驱动力,如赏樱花。这是一种复杂的情感,观赏美丽樱花时的喜悦,会被花期短暂的悲伤而冲淡。

  与侘寂不同的是,“素雅”(渋い,shibui)是一个形容词,表达了微妙、低调的美和内蕴的概念。虽然许多有侘寂之感的物件和设计都是“素雅”的,但“素雅”的东西并非都是侘寂风格。据说“素雅”有七种元素:简单、含蓄、谦逊、自然、平凡、瑕疵和安静——没有任何设计华而不实或过于灰暗。

  “粹”可理解为“别致与时尚”,是日本人较新的审美概念,演变自17世纪的商人文化,与上层皇族和武士推动的侘寂理念相对立。如今,“粹”最引人注目的是那些精心设计的日常用品,比如有着精致刺绣的茶巾,但从“黏土”(Nendo)设计工作室生产的时尚电子产品以及日本作家村上春树的作品中也能感受到“粹”的存在。

  作为物哀的象征,插花通过花与叶的安排,创造出一件件栩栩如生的艺术品。这种做法起源于早期的佛教寺庙,佛教僧侣将其用于茶道。花道最简单的形式是三种元素的组合,但是其风格在漫长的岁月中发生了巨大变化。

  江户时代,花枝众多的“立花”花型开始流行,它代表佛教的宇宙观,随后出现了一种更简单的“生花”花型,它注重植物的内在美。

  如今花道流派之多令人惊讶。池坊是最古老的流派,严格坚持“立花”和“生花”的花型要求。小原流成立于明治时期,融入了西方花束元素,采用“盛花”的新花型彻底改变了花道。

  盛放在容器中的花束代表自然景观。草月流成立于1927年,主张任何人在任何地方、任何时间、能利用任何材料创作。大红鹰dhy5566更多的现代流派还包含“自由花”花型,即没有固定的规则,全凭艺术家的想象。

  日本陶瓷多姿多彩,或质朴中带有瑕疵感,或图案细致而精美。如今技法娴熟的工匠按照流传几个世纪的传统方法将其制作而成。

  陶瓷在烹饪与茶道中起到核心作用,因而各种风格也在不同领域得到了发展。每种都融合了当地独特的实际情况与技术,与当地黏土的性质密不可分。

  用于制作益子烧的黏土富含硅酸盐和铁,易于成型、耐火性强。栃木县是日本有名的陶瓷城之一,约有250个陶器厂和50家陶瓷商店。这个地区尤其以红黏土制成的陶瓷而闻名,益子町人滨田庄司将其发扬光大,他同时也是日本民艺运动的主要人物。

  16世纪,朝鲜半岛的制陶工被带到九州岛的有田,分享彩色上釉技术等知识。他们遗留下来的薄、轻,且耐用的伊万里烧以精美的图案而闻名,常带有蓝色和白色的花卉图案。日本历史悠久的陶器制造商之一便是成立于1804年的有田制窑,如今依然生产传统或具有现代设计感的陶瓷制品。

  备前烧在冈山县伊部地区已有一千多年的历史。这种陶瓷有着温暖的红棕色,通常由泥土和富含铁的黏土制成。当地人认为这种黏土性质独特,可以改善食物和饮品的味道,且有助于延长放置于备前烧中的鲜花寿命。

  自16世纪以来,温暖的冲绳岛就成为壶屋烧的故乡。壶屋町隶属于那霸市,在20世纪制窑厂被迁移至读谷之前,这里是陶器厂的历史所在地。简单无釉的“荒烧”风格通常用作大型储物器皿,而色彩更为鲜艳的“上烧”风格则多用作装饰性餐具。

  欣赏光滑的日本漆器是一种享受。它起源于5000多年前,是通过在木头上覆盖一层漆(从树液中提取)然后将其打磨成光滑且有光泽的表面制成的。石川县的精美漆器“轮岛涂”展示了沈金、莳绘和洒金粉等精美工艺,而本州北部的青森县津轻地区则擅长使用多层不同颜色的油漆制作斑驳的漆器。

  日本西部和歌山县的“根来涂”漆器外层是红色的,经过磨损之后会慢慢露出下面的黑漆。除了艺术技巧,工匠还需要高超的技艺,因为漆在变干之前是有毒的。

  在日本,人偶不仅仅是儿童玩具,还有更广泛的文化魅力。几乎每个人都会买禅宗始祖菩提达摩的红色混凝纸玩偶。这些护身符出售时通常不画眼睛,其想法是当设定一个目标时,画一只眼睛;当目标实现时,再画另一只眼睛。更精致的是“雏人偶”,穿着平安时代(794—1185年)宫廷贵族飘逸华丽的长袍,为了3月3日的女儿节而制作。

  和纸由植物纤维手工制成,其独特且自然的不规则外形蕴含侘寂之美。和纸类型丰富,用于门帘和灯罩等物品。“细川纸”以坚韧耐用而闻名,由楮树树皮制成,利用花瓣及草木灰创造不同的颜色和纹理。

  “石州半纸”产于日本岛根县,因其坚韧的质感备受欢迎,制作原料混合了黄瑞香、雁皮(一种类似丁香的灌木)和木槿根。

  日本的现代艺术诞生于二战的灰烬中。彼时全国范围内开始重建工作,获得解放的艺术家们也重新创造艺术概念。新一代创作者们拥抱表演艺术,探索超现实主义等具象运动,避开传统画廊,选择街道、舞台和屏幕。这些前卫大胆的行动使得日本拥有了鼓舞人心的艺术力量。

  日本的波普艺术起源于20世纪50年代的实验性艺术舞台。在一个同时经历文化审查和巨大破坏的社会中,战后前卫的流行艺术家是变革和自由的巨大力量,为新一轮的艺术浪潮增添了文化趣味。

  如今日本波普艺术已成为一种文化符号。村上隆的彩虹色绘画、雕塑和设计被路易威登和三宅一生等时装公司所采用,他的波普艺术风格进而成为真正的全球现象。

  日本艺术家们几乎从摄影诞生之际就爱上了它,但二战期间,只有部分新闻摄影才被允许。一些极具代表性的摄影师在那个时代仍然活跃,如土门拳。二战后,许多艺术家重新开始摄影。

  他们投入到当下自由的艺术氛围中,通过不同媒介专注于探索新的主题,土门拳改变了摄影的目的和过程,赢得了国际声誉。

  在20世纪60年代末,先锋摄影杂志《挑衅》(Provoke)推动了森山大道的事业。森山通过捕捉平凡的美,运用街道场景创造了颠覆性的叙事作品,并邀请观众参与其中,打破了街头摄影的界限。

  草间弥生以其圆点画和大型装置而闻名于世,是20世纪60年代的一位重要的流行艺术家。早期的她在战后日本寻求创作自由,奇特的表演艺术和富有创意的绘画作品使她在国际上声名鹊起。

  草间弥生色彩鲜艳的圆点装置探索了规模和无限的概念,许多灵感来自她的焦虑和抑郁经历。对图案的重复使用暗示了她的强迫症和幻觉,在这种幻觉中,她看到了周围事物的表面上残留的难忘影像。

  你可以在很多画廊里找到草间弥生的作品。世界最著名的草间弥生博物馆在东京,欣赏她的作品的最佳选择是参观日本香川县的“直岛贝尼斯艺术之地”。在这里,草间弥生的南瓜雕塑等作品遍布全岛,创造了一个大胆而富有想象力的世界,在那里艺术至高无上。